DEPECHE MODE - THE DARK PROGRESSION

(Сам фильм можно скачать на rutracker.org - http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=2004574)

Описание: Фильм рассказывает об истории группы от истоков ее формирования до завоевания вершины музыкального олимпа. DVD, получивший название «The Dark Progression», представляет собой документальный фильм об эволюции стиля группы, в кроторый вошли редкие архивные записи. Кроме того, видео включает эксклюзивную подборку клипов, интервью с продюсерами группы и биографами, а также современниками Depeche Mode и профессионалами музыкального бизнеса, вроде Гари Ньюмана и Томаса Долби.

От себятина: предупреждаю текст в Ворде занял страниц двадцать. Читать много)
И снова, большая просьба, кто найдёт ошибки или неточности, особенно в названиях, фамилиях, сообщите мне, пожалуйста.

Приятного прочтения.

В 1994 году, после выхода 8 студийного альбома «Songs of fate and devotion», на пути к успеху, в Депеш Мод произошел раскол.
Преодолеть долгий путь от рутины Эссекского городка Базилдона, что в Англии, до карьеры, которая продолжается почти 30 лет, им удалось благодаря 4 альбомам, которые были выпущены между 1986 и 1993. Они увековечили их в истории, как наиболее важный, влиятельный и успешный электронный коллектив всех времён.
Этот фильм – история тех 4 записей.

Энди Маккласки («OMD»): Я думаю, Депеш Мод создали выдающуюся, гармоничную музыку и свой индивидуальный стиль. Который, на самом деле стал очень популярной хитовой музыкой, несмотря на некоторые откровенно негативные отзывы. И думаю это, наверно, ключ к их невероятному успеху.

Гарет Джонс (Продюсер Депеш Мод): Для меня это комбинация классического песне сложения и очень хорошего сопровождения синтезатора.

Томас Долби (Пионер электронной музыки): Долговечность коллектива в том, что они всё ещё чувствуют себя свежо и молодо. Это относится к рок группам, которые существуют декады, таким как «U2», «Rolling Stones» и другим. Не много людей, занимающихся электронной музыкой,  смогли достичь этого и по-прежнему нести свежесть в своём творчестве. Думаю, за это мы у них в долгу.

Джонатан Миллер (Биограф Депеш Мод): Возможно, не было никаких предпосылок, что всё так сложиться. Правда, 25 лет держать планку… Депеш Мод – величайшая электронная группа которую когда-либо видели. И скорее всего, другой такой не увидят.

Депеш Мод – Тёмное продвижение

Депеш Мод появилась в Базилдоне, Эссекс, в 1980 году. Которую основали соседи Винс Кларк и Энди Флэтчер, вместе со школьным другом Мартином Гором. Первоначально известные как «Composition Of Sound», они давали местные выступления и в то время больше походили на обычную группу, чем на ту, которая станет невероятно успешной.

Джонатан Миллер (Биограф Депеш Мод): Винс был гитаристом. Мартин Гор, на самом деле был единственным у кого был синтезатор в группе. По слухам, он присоединился к группе по тому, что у него был синтезатор. Очевидно, позже они осознали свою ошибку и поняли что им нужно визуальное воздействие. На самом деле у них не было фронтмена. Винсу было некомфортно в этой роли. Он был их сонграйтером.
Тогда они нашли в городе парня, которого звали Дэйв Гаан, который, и по сегодняшний день, остаётся их, достаточно загадочным, фронтменом. Но тогда он был большим модником. В городе его знали, как человека, который разбирается в моде. И Дэйва взяли в группу. Я думаю, в результате этого у группы появилось лицо. По крайней мере, кто-то мог обеспечить визуальное воздействие с публикой в то время.

               Вместе с новым лицом, у группы появилось новое название. Депеш Мод было взято с названия французского модного журнала и переводилось как «Вестник моды» (Быстрая мода).

Джонатан Миллер: В Депеш Мод было 4 участника и все они имели свои музыкальные пристрастия. Винсу очень понравились «OMD», которые в то время записали наверно 2 или 3 первых сингла, увлекался ранними «Human League», а также «Kraftwerk ». В общем, это всё была электронная музыка. Дэйв Гаан был, больше увлечен рок культурой. Такую музыку он слушал и Мартин Гор также. Флэтчер или Энди Флэтчер – это безмолвный, 4 участник Депеш Мод – слушал хэви-метал. Deep Purple были его любимыми. Так что, однозначно, было много влияний.

 Влияние электронной музыки на Депеш Мод было наиболее значительным.
С началом 80х произошел взрыв новой волны электронной музыки. Многих людей захватил стиль и возможности электронного звучания. Почвой для «новой волны» было течение «новой романтики», которое было более коммерчески успешным и ярко выделалось на клубных сценах. Несмотря на использование электронных инструментов и эксперименты, это  не было чем-то новым.
Электронная музыка долго на задворках музыкального мира. Её вывели вперёд такие группы как «Injuring dream» и «Kraftwerk » в начале 70-х. Электроника стала альтернативой для новых групп взамен гитарного звучания тех времён.

Гэри Ньюман (Пионер электронной музыки): Возвращаясь к началу 70-х, я предполагаю, что люди, как «Kraftwerk » начали выходить за рамки. Дэвид Боуи записал грандиозный «Low» с электронными звуками, в то время. Так что это начало выходить за пределы комнат для программирования, где люди занимались этим уже достаточно долго.
Синтезаторы были частью определённого вида музыки. Рок музыки некоторое время. Это было в виде сопровождения дополняющего гитары и вокал, придавая им формы. А потом, думаю с появление «Kraftwerk», это начало становиться… немного более… собственно инструмент стал более доступным.

Марк Прендергаст (Музыкальный критик/актёр): Те времена были периодом больших перемен в электронной музыке. Самым важным в 70-х было то, что синтезаторы, которые были электронными инструментами, которые музыканты использовали, стали меняться. От огромных помещений, для передвижения которых нужен был грузовик; от громадных машин до намного меньших устройств. Они назвались модульными синтезаторами, и их можно было поднять и носить в чемодане.

Гэри Ньюман: Не нужно было больше этих больших модулей с сотнями свисающих кабелей, где приходилось «И» и «У» (демонстрирует какие чудесные звуки, которые тогда издавали синтезаторы) подключать в разных местах, и делать много других операций. Всё стало умещаться в одну небольшую, аккуратную коробку и можно было просто сесть и, особо не понимая, что ты делаешь, создать эти неповторимые звуки.

Томас Долби (Пионер электронной музыки): Вначале синтезаторы были очень-очень примитивны, и ты мог создать один звук за раз. И звукозапись была примитивной. У меня было два магнитофона, так что приходилось программировать один звук, перематывать, программировать второй, а затем соединять их вместе. Это было очень тяжело, и ты не мог позволить себе ошибиться, по тому, что ты не мог вернуться назад и исправить что-то позже. В любом случае именно это делало электронную музыку такой интересной в то время. Это было такой тонкой работой, и лишь небольшая кучка людей этим занималась. И каждый раз ты чувствовал себя первооткрывателем и как будто открывал новые вершины.

Гэри Ньюман: Это было так увлекательно. Так увлекательно чувствовать себя частью чего-то, что казалось по настоящему новым. Нельзя сказать, что этого не было раньше, ведь было. «Kraftwerk» делали это и прежде. Но казалось, что это начало… что новое поколение молодых людей хватается за это, видит потенциал.

В числе многих участников этого нового поколения, был дует из Ливерпуля, который стал известен как «Orchestral Manoeuvres in the Dark» (OMD).
Их увлечённость электронным звучанием случайно оказало глубокое влияние на окончательную направленность Депеш Мод.

Энди Маккласки («OMD»): Как большинство подростков моего поколения, и того, что было раньше и нескольких что были после, я думаю, мне хотелось делать что-то иначе. Я не хотел повторять то, что уже слышали прежде. Сразу после моего 16 дня Рождения, я услышал «Autobahn» по радио. Это был катализатор, это стало ключом. Я услышал её и подумал… «это привлекает, это цепляет, это создано абсолютно иначе». И я просто сказал себе: «Это то, что я хочу делать».
Сложилось так, что в середине 70-х электронная музыка стала немного более доступной. Ну, по крайней мере, для нас. У меня был дешевый синтезатор, который мы смогли купить через каталог для заказов по почте моей матери. Это хотя бы дало нам доступ к инструменту.

Томас Долби: Если пойти в музыкальный магазин, можно было купить синтезатор по разумной цене. Это не было больше невероятной роскошью. Его можно было купить так же как гитару или ударную установку. Так что, думаю, это вдохновило много молодых ребят заняться этим. И также стало намного более практичным для обычной группы иметь клавишника и пару синтезаторов.

С использованием широких возможностей новых технологий, у нескольких групп начала зарождаться идея электронной музыки. И выйдя из тени, стиль начал медленно формироваться.

Гэри Ньюман: Электронная музыка заинтересовала меня, я не знаю… чем-то она меня привлекла. Я пошел в студию записывать панк альбом и увидел там синтезатор. Я раньше не видел его, так что я даже не знал, что вокруг зарождается это движение. Потом я узнал про «Outer Works» и «Human League». Оказалось, что много разных группок людей, разбросанных по Британии, занимаются этим в изолированно друг от друга.

Томас Долби: Всё больше и больше альтернативных электронных групп, создавали поп хиты и становились узнаваемыми благодаря этому. Были  «Human League» и «Self silence», которые вышли из андеграунда электронной музыки, и много других коллективов, которые не были так успешны. Но совсем другое дело, когда видишь кого-то на «Top of the pops», использующими итальянские синтезаторы, когда видишь Гэри Ньюмана, использующим синтезаторы.

Гэри Ньюман: Никто на самом деле особо ничего не делал. Большинство из нас просто сталкивались с этим, а другие и вовсе нет. Так что не было сильного движения и оно нуждалось объединении всего вместе, что бы привлечь внимание публики. Думаю, это было лишь делом времени, пока у кого-то не появится подходящая песня или, возможно, нужные возможности и всё сложиться вместе.

Энди Маккласки: Когда мы стали достаточно взрослыми, что б гулять в клубах, в центре Ливерпуля, мы пошли в «Клуб Эрика», который был местом отдыха молодых людей, которые приходили послушать живую музыку. И стоя среди публики в одну ночь, кажется, Пол и я услышали песню «Warm Leatherette» - «The Normal» и мы просто посмотрели друг на друга и подумали: «Блин, кто-то делает то, что и мы в подвале у твоей мамы. И они уже сделали запись».
Вот тогда мы действительно решили, что нам лучше выйти на сцену. К счастью, у Эрика была эта политика открытых дверей. Так что Пол и я с нашими друзьями взяли магнитофон, по тому что ни один из наших близких не хотел вникать в то, что мы играем и думали, что это полная чушь. Так что мы втроём с магнитофоном вышли на сцену в октябре 1978, что бы презентовать то, что мы писали последние 2 года, но не осмеливались играть.
Так вот, мы услышали «Warm Leatherette», вышли на сцену, мы были на разогреве у «Joy Division», которые как раз собирались подписать контракт на звукозапись с «The Factory». Было около 30 человек в зале, большинство из которых вообще то были нашими друзьями и родственниками. И аплодисменты были (еле хлопает с безразличным лицом).
Я имею ввиду, что это был провал. Это не было похоже на будущее популярной музыки. Эм, по крайней мере, тогда так казалось. Но там оказалось пару людей, которые подумали, что что-то всё-таки в этом есть и предложили нам выступить ещё.
Непосредственно «The Factory» предложили нам записать пластинку. Вообще то Тони Вилсон из «The Factory» был первым, кто услышал нашу музыку и сказал: «Это будущее популярной музыки». И мы подумали: «Да не гони, это экспериментальная музыка». Но оказалось, что он был прав.

                                        Электронное звучание действительно оказалось будущим популярной музыки. И Тони Вилсон из звукозаписывающей компании «The Factory» не был единственным, кто это понял. «Warm Leatherette» - «The Normal» были плодом работы Дениела Миллера, который открыл новую звукозаписывающую компанию «Mute Records», что бы записывать свою собственную работу. Возможности, которые он видел в электронном направлении, были отличной основой для успеха Депеш Мод.

Энди Маккласки: Мы договорились с «The Factory» и они выпустили «Electricity». Который тогда, я думаю, ребята из Депеш услышали в клубе и подумали: «Ухты! Что это?» так же как мы однажды услышав «Warm Leatherette». Мне кажется, тогда они решили начать играть электронную музыку. И что они сделали? Они подписали контракт с Дениелом Миллером. Так что получился замкнутый круг от Миллера через «Warm Leatherette», к «Electricity», потом к Депеш Мод и обратно к Дениелу Миллеру.

                  Договорившись с «Mute Records» на словах, Депеш Мод были готовы сделать свои первые шаги к популярности, под предводительством Винса Кларка.

Марк Прендергаст: В лице Винса Кларка у них был электронный гений. Винс Кларк был абсолютно поглощен созданием музыки –электронной музыки с помощью цифровых машин. Очень и очень, коммерчески успешной электронной музыки. Имея кучу оборудования вокруг он знал, как со всем этим обращаться, не важно были это синтезаторы или несколько пультов. Кларк несомненно был основой первоначального успеха Депеш Мод.

Джонатан Миллер: Винс тогда всё ещё был главной движущей силой Депеш Мод. Он был главным сонграйтером, тем кто ходил и договаривался о выступлениях. В ранний период группа была ориентирована на выступления, а у некоторых участников всё ещё была работа на тот момент. Думаю, можно сказать, что благодаря упорству Винса они стали работать с «Mute Records» и заключили независимый контракт, в котором на самом деле не было ничего прописано. И выпустили свою первую пластинку на основе устного соглашения, которое длилось до конца 80-х.
Первый сингл назывался «Dreaming of me». Это не был потенциально большой хит, но он попал в 50-ку хитов. Не плохо, учитываю, что «Mute» в то время была маленькой независимой компанией. Можно с уверенностью сказать, что никто не мог предвидеть, что произойдёт в ближайшем будущем.

Дэвид Стаббс (журнал «Wire»): В 1980 Депеш Мод были эм… симпатичным, светлым, очень модным, ярким и улыбчивым попсовым коллективом. И действительно нельзя было представить, что они просуществуют десятилетия и продадут миллионы и миллионы альбомов. Казалось, что их сметёт следующим же изменением в моде… ветром перемен.

                  Но Депеш Мод не исчезли. После того, как их второй сингл «Nеw life» достиг 11 позиции в Британском хит-параде, группа выпустила третий сингл из дебютного альбома «Speak&Spell» - «Just can’t get enough».

Дэвид Стаббс: «I just can’t get enough» действительно превосходный сингл. Он очень светлый и лёгкий, и подходит на все времена. Что-то похожее на диско, и его всё ещё многие слушают и играют сегодня. Дело даже не в нём, а в поп предпочтениях. Он яркий, он цепляет – он полностью идеален.

«Just can’t get enough» увенчал успех дебютного альбома и принёс облегчение. Несмотря на хорошие отзывы о «Speak&Spell» и позицию в первой десятке, главным разочарованием стало то, что основной сонграйтер Винс Кларк объявил о своём уходе из группы.

Джонатан Миллер: Винс ушел. И, очевидно, о своём уходе он заявил ещё до выхода первого альбома. Он обратился ко всем участникам группы и сказал им это. Думаю, они были немного шокированы. Несмотря на это они завершили своё первое турне по Британии, в поддержу своих первых 3 синглов и альбома «Speak&Spell». Скорее всего, Винс просто сидел в вагончике, а остальные наслаждались турне, но было очевидно что он уходит, понимаете.

Дэвид Стаббс: В действительности, когда Винс ушел из Депеш Мод, казалось, все тогда подумали что это конец. Он был сонграйтером. Он был очень хорошим сонграйтером, и он был амбициозным парнем. Ему хотелось поучаствовать в различных проектах. Это было немного похоже на Джимми Хендрикса. И как же тогда группа собиралась выжить.

Кларк направил свой талант на роботу с Элисон Мойет и организовал группу «Yazoo». Звук, разработанный в Депеш Мод, продолжил существовать в немного другом направлении.

Джонатан Миллер: Я думаю можно провести много параллелей, в музыкальном плане, между первым альбомом «Yazoo», который был записан в том же году, что и альбом Депеш Мод «Speak&Spell». Это очевидно, ведь Винс написал большую часть обоих альбомов и использовал те же инструменты. Но во время записи альбома «Yazoo» он стал специалистом в их использовании. Разумеется, основной разницей было то, что он теперь работам с другим исполнителем – Элисон Мойет. Такой дерзкий, блюзовый, женский голос, поверх всей этой электроники.
По правде говоря, музыкально альбом «Yazoo», стал сильнее, чем второй сложный альбом Депеш Мод.

Дэвид Стаббс: Если бы Винс Кларк, остался в Депеш Мод, сомневаюсь, что их карьера, в конечном счёте, сложилась бы именно так.

                            Место главного сонграйтера, которое занимал Винс Кларк, было занято Мартином Гором, который сразу же самостоятельно приступил к работе.

Джонатан Миллер: Мартин уже был сонграйтером. Это не было вроде: «Ладно, ребята, кто в группе может писать песни? Нам нужно что-то делать». Мартин был сонграйтером и он писал с юношества.

Энди Маккласки: Мартин придал им совсем другое звучание. И теперь, задумайтесь,  какого было для него перебрать на себя обязанности, которые были у Винса.  Ведь именно Винс был главным в начале… Он ушел и забрал с собой это более попсовое лёгкое звучание, наверно это и подтолкнуло отыскать свой собственный стиль. Я думаю, Мартин придал эту более тёмную, мрачную окраску всему.

Группа продолжала активно работать над своим вторым альбомом «A broken frame». А между тем, вскоре после его завершения, в группе назрела ещё одна существенная перемена.

Джонатан Миллер: Мне кажется, они хотели записать второй альбом самостоятельно, как трио… с Дениелом Миллером, который помогал им. Возможно, для того что бы доказать, что они на это способны. Но они должны были ехать в турне, в котором играли много композиций из первого и из второго альбомов. Думаю, им хотелось сохранить прежний порядок вещей, по тому им нужен был человек, который бы занял место Винса у синтезатора на сцене.

              После устроенного прослушивания группа остановила свой выбор на 22-летнем клавишнике Алане Уайлдере. Его участие в группе, в конечном счёте, помогло усовершенствовать звучание группы, и стало немалым вкладом в их невероятный успех.

Джонатан Миллер: Алан Уайлдер был единогласно принят в Депеш Мод исключительно как сессионный музыкант. Он традиционно обученный клавишник, он также пробовал себя в поп индустрии и имел пару контрактов с группами, которые просто не прорвались.
Дэвид Стаббс: Когда в 1982 году присоединился Алан Уайлдер, думаю, его заданием в Депеш Мод в то время было придавать красок музыке. В том смысле, что Мартин Гор был сонграйтером, он обеспечивал содержание (что-то вроде стилиста). Думаю, именно Алан Уайлдер, работал над треками с продюсерами. И хоть он не совсем композитор, он играл большую роль, на самом деле.

                            С выходом «A broken frame» Депеш Мод доказали, что несмотря на уход Винса Кларка, они не только могут выжить, но и перейти к несомненно более тёмному, серьёзному звучанию (частично вдохновлённые сотрудничеством Дениела Миллера с немецкими группами с индустриальным звучанием).

Джонатан Миллер: Их первый сингл в 1983 году (первый сингл после второго альбома) - «Get the balance right». Он не вошел в первую десятку в начале 83-го, но был первым, в работу над которым был серьезно вовлечен Алан Уайлдер. В нём больше музыки, чем в предыдущем. Так что, думаю, он был больше вовлечен, в плане развития звучания и этих индустриальных звуков из Германии, и новых технологий, которые стали появляться в то время. Я говорю, о первых шагах в сэмплировании. Так что мы видим различия между синтезаторами и сэмплированием, которое позволяло манипулировать записанными звуками. Именно этим занимались немецкие коллективы с индустриальным звучанием – тарабанили кусками железа на сцене, что-то вроде того. Думаю, тогда Депеши начали задумываться о сочетании таких звуков, но в более попсовой форме.

Гарет Джонс (Продюсер Депеш Мод): Было очевидно, что они пытались приобрести более тёмное и крутое звучание, что-то вроде того. Всё было очень серьёзно. Они хотели изменить своё звучание, но это было лишь началом изменений.
Мне были очень интересны звуки в помещении, так что мне хотелось отойти от привычных синтезаторов, что представляло новую эпоху и интерес, как для них, так и для меня. Ведь это не было тем, чем они занимались прежде. Раньше у тебя был синтезатор, с которого выводились звуки на диджейский пульт и получалось чудесное звучание. Скорее всего, это больше походило на «Violator», чем на «Songs of fate and devotion».
Но вернёмся к временам «Construction time…». Когда мы начали его записывать, всё проходило через усилители, были только искаженные отрезки, один микрофон на усилителе, а другой к углу комнаты… и это было похоже эмбиент(1). Так что присутствуют звуки эмбиент также.

(1) – (эмбиент) музыкальный стиль, в котором за счёт использования электронной реверберации и других пространственно-звуковых технологий создаются изощрённые эффекты, способствующие медиативному состоянию, либо создающие "отчуждающие" эффекты (Lingvo).

Гарет Джонс: Это был очень естественный синтез идей. В некотором роде мы делились идеями. А сейчас, скорее всего, мы бы встретились и обсуждали всё, что хотим сделать. Потом, наверно, пошли бы в студию и начали записывать, но тогда всё как-то вышло само собой.

                    Изменение звучания Депеш Мод отражало развитие электронной музыки в 80-е, которая всё ещё воевала с представлениями старой музыкальной школы, звучание которых базировалось на живых инструментах. Коллективы, которые по большей части использовали синтезаторы и сэмплы, несомненно, искали новые возможности, что б прорваться на основную сцену.

Томас Долби: На протяжении 80-х, думаю, электронная музыка развивалась очень быстро, даже в контексте поп музыки. И были разные движения. В начале 80-х синтезаторы, вообще то, были совершенно не модными на фоне хард-роковой музыки и, несомненно, на фоне танцевальной.
Было очень модно диско. А в диско, как вы помните, у Донны Саммер и Джорджио Амроди использовались синтезаторы и басы в конце. И были электронные ударные в танцевальной музыке. Это было очень не популярно на протяжении почти всех 80-х. До того момента пока «New Order» не исполнили «Blue Monday» и не началась эпоха таких песен. Ведь, на самом деле, их видели как инструментальную группу. А потом вдруг они переметнулись к тому, что делала Донна Саммер, и пользовались синтезаторами и остальным.
Я вообще то очень удивился. Группа, была как бы любимцем врагов, будучи совершенно не продвинутой, а потом неожиданно начала играть на синтезаторах. Так что, думаю, это отразилось на движении внутри электронной музыки (на большей тяге к тёмной стороне). И весёлость и дерзость «Just can’t get enough», стала уступать тёмному звучанию, которое Депеш Мод приобрели.
Это было радикальное изменение в звучании и, думаю, это было крайне рискованно и безрассудно в их положении. Ведь они могли потерять основную часть своих фанатов.

Гэри Ньюман: Понимает, когда ты становишься популярным, а затем немного меняешь музыку, ты рискуешь потерять всё. И каким бы ты выдающимся не был, есть всегда сотни, даже тысячи людей, которые ждут за углом. И звукозаписывающие компании могут отдать предпочтение им. Очень-очень легко потерять всё. Сделать не подходящий альбом в неподходящее время точно поспособствует этому.

                          Индустриальное звучание, в сочетании с нарастающей политической критикой в текстах Гора, в «Construction time again», представлялось отличным антидотом к светлым жизнерадостным мотивам Депеш Мод, звучавшим всего 3 годами ранее. Казалось, группа самостоятельно создала себе нишу своей музыкой.

Джонатан Миллер: Я не могу припомнить никого другого, кто бы в то время тратил так много времени, тщательно работая над звуком, не профессионально работая над звуком.
То есть, «Kraftwerk» в Германии делали это, закрываясь в своей студии в уединении, завершая альбом. Это было 3-4 годами ранее. Их альбом назывался «Computer work». Возможно, они работали над звуком, но никто не слышал этого.

                                  «Construction time again» был первым шагом в новом направлении группы. Он был умеренно успешным в плане критики и коммерции. Депеш Мод удалось изменить своё звучание и имидж, без изменения сущности и группа продолжила работу в данном стиле в 1984 над 4 альбомом «Some great rewards». Он не только достиг такого же успеха как предыдущий, но и открыл миру хит «People are people», который, к удивлению, принёс группе первые успехи в Соединённых Штатах.

Джонатан Миллер: Это наиболее хитовый сингл Депеш Мод, из числа ранних синглов, таких как «Just can’t get enough». Они снова заняли высокую позицию в хит-параде в 1984 с «People are people». И это был первый сингл из 4го альбома.
В нём потрясающие неповторимые звуки, понабилось много времени, что б добыть их. Я имею в виду, что все звуки были сэмплированны, вплоть до басс-ударных. Это не были просто ударные, это был стук какого то металла друг о друга, и потом ещё что-то, и ещё что-то соединённое вместе. В целом они создали так басс-ударные.

Гарет Джонс: Мы постоянно пытались расширить границы… собственно… вся команда. Для меня (ведь я тесно работал над 3-мя альбомами) «Some great rewards» был посредине и казался эволюцией от «Construction time…» (который был целиком новым опытом, для меня лично, по тому, что я раньше не работал с группой) до «Black celebration».
Именно тогда мы ощутили, что достигли чего-то необычного, тёмного и интересного. Так что, несмотря на то, что в «Some great rewards» были песни «People are people» и «Master and Servant» (это были два отличных хита), для меня они всё ещё кажутся процессом эволюции между двумя другими пластинками.

Дэвид Стаббс: Вспоминая 1984, интересные вещи происходили. Америка… Было много энтузиазма и много труда вложено, ведь для такой группы, как Депеш Мод было крайне тяжело пробиться в Америку. По тому, что на американской сцене была эта постоянная идея аутентичности и чего то настоящего. А это означало гитары, не наряженные парни в белых футболках в обтяжку… Что-то вроде этого. (Ну и были ещё какие то диско движения). Это исключало электронную музыку, в которой не было той подлинности.
Кроме Депеш Мод (кроме нескольких альбомов), были «A Flock of Seagulls», которые каким то образом, были известны в Америке больше чем где-либо. Так что, в этом плане, Депеш Мод не были единственными. Но это был их первый прорыв.

                                 Успех «People are people» в Соединённых Штатах обеспечил группе прочный фундамент, который они намеревались продолжать строить. Перемены в стиле группы и звучании были неоценимыми, в результате влияния Дениела Миллера и присоединения Алана Уайлдера.
Группа была готова к новому альбому. Первому, из череды тех, что со скоростью света вознесли их на вершину.

Джонатан Миллер: Они выпускали по альбому в год: 1981, 1982, 1983, 1984… а потом… в 1985 они, вообще то, не записывали альбом. Думаю, это был перерыв для того, что бы остановиться и обдумать, что же делать дальше. И потом они выпустили 5-й альбом, через 6 лет после начала творчества, – «Black Celebration». Он был в действительности продолжением того, что они делали в «Some great rewards». В нём всё ещё было много индустриального звучания.

Дэвид Стаббс: «Black Celebration» вышел в 1986. В то время, мир синт-попа достиг значительного развития. В том плане, что «Kraftwerk» выпустили «Electric cafe», который был фактически их последним альбомом. (После того их работа была завершена – они вроде как ушли на покой.)
Также были такие группы, как «New Order», «Eurythmics», «Pet Shop Boys»… Синт-поп больше не был каким то причудливым фэтишем модной поп музыки, как несколькими годами ранее. Теперь это был самостоятельный стиль музыки. И Депеш Мод были весомой состовляющей этого направления.

Джонатан Миллер: Они вернулись в Берлин с той же командой – с Дениелом Миллером и Гаретом Джонсом. Они записывались в студии «Hanse». Основной идеей на этот раз было то, что они собирались постоянно жить и работать вместе.

Гарет Джонс: Дениел Миллер, директор звукозаписывающей компании и сопродюсер альбома, имел идею прожить альбом. Он сказал: «Ладно, я предлагаю, что бы прожили альбом. Это значит, что мы будем видеться каждый день, от начала и до конца записи и не будем заниматься ничем другим». Все подумали и сказали: «А что, это хорошая идея. Давайте так сделаем». В смысле это было волевое предложения, вроде: «Что скажете?» Ну и все ответили: «Хорошо, это правильно». Ведь мы все были очень сосредоточены и хотели работать.
Так что мы так и сделали, потому то он и стал таким сильным. Также на успех повлияло непривычное состояние замкнутости.

Джонатан Миллер: Очевидно, у них был только один день между перелётом и записью. Это было очень продолжительной работой и даже немного пыткой для всех участников. Я думаю, команда, которая уже работала над 3-им и 4-ым альбомами и продолжала работать над 5-ым, начала немного терять форму. Не то что бы они были некомпетентны, просто всё это оборудование и эти сэмплы, и неписанное правило, что ни один звук не должен повторяться от альбома к альбому, от записи к записи. Было очевидно, что это не может длиться вечно.

Гарет Джонс: Мы, наконец-то решили, что должны закончить этот альбом немедленно, иначе мы его никогда не закончим. И начали микшировать его. И мы (Дениел и я) работали над заглавным треком альбома, и мы постоянно были абсолютно не довольны результатом.
Сейчас для меня это пустяк. Я делаю трек и, если он мне не нравится, я сохраняю, откладываю его, а потом могу вернуться к нему в другой день, попробовать что-то другое в следующий раз. А тогда это была большая консоль, большой пульт и мы работали целый день над треком, а прослушав готовый думали: «Нет. Это не то. Это не правильно». И мы начинали всё с начала. В итоге решали, что завтра мы продолжим, ведь мы не думали: «Да ладно, сделаем что-то другое». Ведь это было бы как отступление. Так что: «Нет, мы должны сделать всё как надо».
Кажется, именно Алан пришел… (у группы было серьёзное совещание по этому поводу) и Алан сказал: «Нужно это прекратить. Это сводит нас с ума. Нужно отвлечься. Мы должны отложить этот трек и двигаться дальше». Это был такой серьёзный взрослый разговор с нами о том, что бы двигаться дальше и сосредоточиться на другом.

Джонатан Миллер: Можно сказать, что «Black Celebration» был сложным альбомом. Но в нём были хитовые синглы. Наиболее известный –  «Stripped», который снова таки, как и «People are people», если послушать сегодня, включает потрясающие звуки уже в первые 30 секунд. Звук мотора мотоцикла, который заводится очень медленно и ритмично, и можно услышать двигатель машины, перед тем как она тронется с места, и потом песня начинается. Кажется, что только для того, что бы смонтировать эти 30 секунд, нужны годы.

Гарет Джонс: Мотоцикл и зажигание машины… машина Дэйва и, я не помню, чей это был мотоцикл. Всё это части – это индустриальные звуки. Звук мотора записан на протяжении всей песни. Это действительно буквально индустриальное основание, поскольку на основной ритм песни вдохновил ритм мотора, который усиливается и замедляется.
Мы все очень хотели, что бы нас воспринимали серьёзно. Не хотелось, что б о нас думаю как о поп-группе. И когда мы записали «Stripped» все были очень довольны её тёмным содержанием.

Дэвид Стаббс: «Stripped» – это классический пример того, как Депеш Мод пытается быть как можно больше непохожим на Депеш Мод. И, скорее всего, это и есть ключ к их успеху. В ней такие странные рядки… «…Обнаженной до костей». Возникают странные идеи немного сексуального характера. Ты ожидаешь увидеть Депеш Мод городскими, урбанизированными, а в песне полная противоположность - «Возьми меня за руку, возвратись к земле». Будто предложение сельского жителя, как способ быть по настоящему свободным.
Это поразительно… это демонстрирует простоту, сказочность, которая есть в Депеш Мод. Идеи, которые несёт Мартин Гор, достаточно запутанные, немного меланхоличные, но, в тоже время, в них много правдивости.

                      Увидевшая свет 10 февраля 1986 «Stripped» стала 6 по счёту синглом Депеш Мод, который вошел в первую двадцатку Британского хит-парада, и заняла 15 место. Тем не менее, успех был ограничен менее коммерческой природой их музыки.

Джонатан Миллер: К тому моменту стало очевидно, что у Депеш Мод есть очень активная фан-база. И это достаточно большая фан-база. Но в Британии у них не было больше прорывных синглов, таких как «Just can’t get enough». Многие люди купили эту запись. Не могу припомнить… по-моему было продано пол миллиона копий. И это намного больше фан-базы, которая была у Депеш Мод в то время. Людям понравились Депеш Мод и они покупали пластинки. Все легко запоминающиеся, весёлые песни раскупаются так же. Но в 1986, когда начались эти тёмные угрюмые настроения, как «Stripped», которая конечно звучала очень необычно, (Она точно не звучала как среднестатистическая поп песня одного дня) действительно, казалось, что только фанаты покупали этот сингл.

Гэри Ньюман: На самом деле очень сложно сделать всё правильно, и сложно сохранить свою фан-базу, когда ты делаешь такие перемены. Ведь многие из них, если не большинство, будет желать, что бы вы занимались тем, что и прежде. И каждый раз, когда вы хоть немного поменяетесь, найдётся тот, кто будет говорить: «Ууу, это не так хорошо, как было раньше. Почему бы не вернуться к тому, что было». Всегда так случается. Так что, продолжать так снова и снова и становиться круче – это потрясающе.

Дэвид Стаббс: Определённо, нет ощущения принадлежности к поп музыке. Опять таки, должно быть это зависит от вкусов в Британии.
Они не пытались создать что-либо в стиле Винса Кларка. И, разумеется, они не имели дела с идеями и настроениями, которые несли «Yazoo», у которых было больше шансов стать хитовыми синглами.
Тут присутствуют очень необычные, скорее личные переживания, связанные с мыслями, любовью, с экзистенциальным взглядом, и те неожиданные размышления о нематериальных вещах, вместо обычных материальных поп идеалов.

Джонатан Миллер: Альбомы тогда продавались очень успешно. Я хочу сказать, что каждый альбом, начиная со «Speak&Spell» по 5-ый 1986 года - «Black Celebration», был в первой десятке. Так что можно сказать, что фан-база Депеш Мод в Великобритании достигла определённого размера. И они стали сосредотачиваться собственно на презентации альбома, а не на хитовых синглах, что б протянуть альбом в первую десятку. В таких условиях, следующее турне в поддержку «Black Celebration» тоже сильно изменилось. Они уже играли на больших площадках.

В марте того же года, следом за «Stripped», дебютировала «Black Celebration». Она продолжила тёмную индустриальную сущность Депеш Мод, приобретённую в «Construction time again» и «Some great rewards». В результате этого, в турне группа играла при заполненных залах в Великобритании и Европе. Они сделали ещё один шаг для покорения Соединённых штатов.

Джонатан Миллер: Тур по Соединённым штатам в поддержку «Black Celebration»… Я повторюсь «Black Celebration» не был наиболее популярным в США, возможно, он вошел в Тор-100, или что-то вроде того, в отличии от предыдущего альбома. Но интерес к Депеш Мод рос и альтернативное движение возросло, каким то образом. И, выступая вживую, они достигли стадионного уровня не повсюду, но в некоторых городах. Чикаго, Лос-Анджелес… Они играли перед 10-15 тысячами людей в этом турне. Так что стало очевидно, что их поездка в США стала окупаться.
Я имею в виду, что даже «Duran Duran», которые в 1986 году были очень знаменитой группой в США, с более традиционным звучанием, приходилось изрядно потрудиться, что б заполнить стадион на 15 тысяч человек. А Депеш Мод начали заполнять.
К тому времени уже был выпущен «Question of time». Это третий сингл из тех, которые Депеш Мод выпустили во время турне, в поддержку альбома, который начал прорываться в США.
Депеш Мод всегда уделяли внимание своему внешнему виду. Они одевались в черное, празднуя тёмную сторону жизни, что как нельзя лучше подходило к альбому. Они выглядели естественно в этом. У них было много фото и видео клипов на синглы. Ни один из них не был особо успешным, по правде говоря, особенно для Британской прессы, которая привыкла очень резко высказываться. У них было море нарядов из их ранних видео.
Тем временем «Question of time» была первой работой с Антоном Корбином – датским независимым фильм-мэйкером, клип-мэйкером и фотографом. Он был приглашен, что бы снять видео для Депеш Мод. Он делал некоторые видео и фотографии для других групп, в то время самые известные «U2». Так что он приехал в Калифорнию и, в свободное от турне время, они сняли что-то вроде дорожного кино в пустыне на песню «Question of time».
Эффект зернистости и парни одетые в черное, интересные виды национального парка «Joshua tree» на заднем плане, что-то такое. И «Question of time», действительно, очень драйвовый трек. Были разногласия, но это определённо первый раз, когда музыка и картинка заиграли вместе и стали демонстрировать что-то выдающееся.

Томас Долби: В США в средине 80-х, из-за того, что радио всё ещё было зациклено на рок-н-рольной музыке, что б раскрутить какой то необычный хит, вам нужно было иметь отличное видео. «M-TV» было очень влиятельно в то время. Они и сейчас крутят видео. Если у вас был успешный видео клип, вы могли привлечь людей которые сидят субботним вечером дома, вместо того что б ходить по клубам, и смотрят «M-TV». Так что радио, в конце концов, поддавалось влиянию и крутило то, что было успешно на «M-TV». Думаю, для Депеш Мод, когда они начали работать с Антоном Корбином, это было отличным шагом, отличной комбинацией его эстетического вкуса и новой тёмной музыки, которую они играли. Люди до сих пор отмечают эти видео, они очень отличаются, очень стильные.

Джонатан Миллер: Уже было понятно что представляют собой Депеш Мод в музыкальном плане, но в визуальном… Это было что то похожее и Антон свёл это воедино в том первом видео, которое они сделали вместе. Благодаря этому, он стал намного больше вовлечен в работу с группой в будущем. Были другие видео, обложки альбомов и даже дизайн сцены.

Гарет Джонс: Очевидно, что у Антона большой талант непрофессионального фотографа. Но главное что меня поражает в работе Антона, что Антон может снять фото страшилы, вроде меня, и сделать так, что б я смотрелся круто. И это потрясающе. Это огромный талан, понимаете. Особенно для рок групп или групп, по тому, что группы хотят выглядеть круто, большинство групп. (Группы, которые хотят, что бы их воспринимали серьёзно). И у Антона это отлично выходит.

                     «Black Celebration» достиг 4-ой позиции в Британском хит-параде альбомов, что свидетельствовало о том, что Депеш Мод популярны как никогда. Группу, наконец-то, начали воспринимать серьёзно.

Дэвид Стаббс: Люди видели Депеш Мод образца 81-го, особенно в Британии, поскольку там они были известны с очень раннего периода («Speak&Spell») и часто их всё ещё воспринимали, как что-то вроде диско. Хотя, на самом деле, времена изменились, и они представляли, что-то более тёмное, значительное, более серьёзное.

Джонатан Миллер: Я думаю, общее впечатление было, что они прогрессируют и, разумеется, отходят от юношеского поп стиля и имиджа, с которым они начинали всего 5 лет назад. Было ясно, что число фанатов растёт, но, думаю, наилучше это стало заметно в 1986, в турне по США. Американская публика не ограничивалась узким кругом поклонников, а была увлечена музыкой.

Энди Маккласки: Этот тёмный имидж, который они приобрели в начале 80-х, наверно, помог им в завоевании Америки, по тому, что они привлекали неформальную молодёжь. Они явно не пытались продаваться или прорваться. Кроме того, тогда был рассвет готической культуры. Дети хотели наряжаться в… ну не тесные кожаные штаны, но больше в готишные наряды, начался этот макияж, черные волосы… Я думаю, они вписывались в эту готику. И это замкнутое меньшинство начало выползать из своих комнат, выходить из депрессий и ходить на концерты.

                          Как только развеялась пыль после  тура «Black Celebration», Депеш Мод вернулась в студию, что бы закрепить свой успех в США. Их тёмное звучание упрочнило их право, называться не просто очередной поп группой. Но для перехода на новый уровень, им нужно было сделать глобальные изменения за кулисами.

Джонатан Миллер: Я думаю эта команда (Гарет Джонс, Дениел Миллер и Депеш Мод) исчерпала себя. Они записали 3 альбома, используя новейшие технологии до предела. Как говорилось, ни одни звук не должен был повторяться. И было очевидно, что это не может длиться бесконечно.

Гарет Джонс: Когда мы встретились с Депеш для записи «Construction time…», они искали что-то новое. Мы записали вместе 3 альбома, и им нужно было продолжать расти или экспериментировать с новыми возможностями.

Джонатан Миллер: Для новой пластинки, которой годом позднее стала «Music For The Masses», было принято решение работать с кем-то новым. Я имею в виду, на тот момент, с успехом Депеш Мод, недолговечностью «Yazoo», и появлением «Erasure», было много забот. Дениел не мог делать всё одновременно. Он не мог заниматься Депеш Мод в такой же степени, что и прежде, и достаточно успешным лейблом одновременно. Так что, очевидно, он решил отступить. И им пришлось найти кого-то нового, исходя из рекомендаций и навыков.
Они остановились на Дэйве Баскомбе. Думаю, в основном из-за его успешной работы с «Tears for fears» над альбомом «Songs for the big chair». Это сборник хитов, который, также, прорвался в США. Эти песни сделаны очень-очень хорошо в США, и звучат отлично.
Депеш скорее искали не именно такой успех, а кого-то, кто бы смог хорошо с ними сработаться для следующей пластинки. Записи «Tears for fears» также имели достаточно техничное звучание. Так что, наверно, они подумали, что Дэйв Баскомб сможет помочь им.

Алан Уайлдер (Депеш мод): Мы обсуждали заранее, как мы собираемся сделать новый альбом отличным от предыдущего. Это стало более важным для нас со временем. Мы не хотели повторяться.

Мартин Л. Гор (Депеш Мод): Из-за того, что мы работали с Дениелом и Гаретом над 3 альбомами,  мы просто почувствовали, что нам нужно свежие влияние. Я также думаю, что Дениелу надоело работать с нами. По тому что «Mute» на тот момент стал достаточно крупным лейблом. Взять хотя бы «Indiescene». В любом случае у него было много работы. Так что проводить месяца в студии с нами – было не вариантом для него.

Дэйв Баскомб (Продюсер «Music For The Masses»): Думаю, это Дэйв предложил мою кандидатуру, когда услышал музыку «Tears for fears» и она ему понравилась. Они искали замену продюсеру. Дениел, Дениел Миллер из «Mute» был очень вовлечен в работу над всеми альбомами. Думаю, он просто хотел выбраться из студии, и они хотели продвинуться немного. Так что, мне кажется, именно Дейв предложил меня.
Мы начали в Париже в «Guilem tell». Мы записывали фонограммы там. Это вообще то старий кинотеатр, так что там были тонны инструментов валяющихся повсюду. Это открывало невероятные возможности. Мы использовали много звуков: литавры, оркестровые басс-барабаны, и много другого. Это заняло первые пару дней или неделю. Мы просто ходили и пробовали всё вокруг записывая сэмплы этих непривычных для поп музыки звуков.

Джонатан Миллер: Они рисковали повторить самих себя, наверно, если бы продолжали в том же духе. Но в то время они были всё ещё очень технологично подкованной группой, интересовались новым звучанием, использовали последние технологии в сочетании, опять таки, с традиционным написанием песен.

Дэвид Стаббс: Я думаю «Music For The Masses»… Говоря откровенно, Депеш Мод – это электронная группа, использующая синтезаторы. Разумеется, электроника присутствовала, но аранжировки стали состоять из разных звуков. Их собственно стало больше в песнях.

Джонатан Миллер: Мартин Гор по сути гитарист и стало появляться больше гитарных звуков. Главным образов в сингле «Never Let Me Down Again» - там есть электрогитара, мелодия.

Дэйв Баскомб: «Never Let Me Down Again» в стиле Мартина. По тому, что там эти фантастические, очень звучащие просто мелодии. Они восхитительны. Так же как в «Personal Jesus» и других песнях. Понимаете, это потрясающее сложение песен. Это простота поп музыки с большим наслоением странных звуков. В этом и успешность, я думаю. Когда он в форме, думаю, он один из лучших сонграйтеров.

                                           Песни Гора, работа над звучанием Депеш Мод и влияние Алана, создали костяк, и это стало наиболее заметным во времена «Music For The Masses».

Джонатан Миллер: Алан Уайлдер был серьёзно вовлечен в роботу над аранжировками, в альбоме «Music For The Masses». Эм, он тот, кто в то время, брал дэмо Мартина Гора для альбома и эффективно воплощал всё то, что мы можем услышать теперь.

Дэйв Баскомб: Основной талант Алана в том, что из них всех он наиболее музыкально подкован. Так что, очевидно, что у него больше терпения и идей в студии.
Например, Мартин, на тот момент, не сильно был подкован в специфических аспектах. Дэйв вообще, слабо был вовлечен. Но понятное дело, Дэйв сосредотачивался на пении и общем представлении песни. Так что Алан практически каждый день работал со мной. Каждая часть была записана с двумя-тремя разными звуками… Это кропотливая работа и у Алана было хорошее виденье этого.

                  Хороший образец таланта Алана, был продемонстрирован в виде первого сингла из альбома «Music For The Masses» - «Strangelove», который вышел за 5 месяцев до выхода альбома.

Джонатан Миллер: «Strangelove», определённо отображает способности Алана Уайлдера в аранжировке и его музыкальный вкус, в сравнении с простотой песен Мартина Гора в то время. Это очень необычная песня, поскольку к ней в действительности нет аккордов. Так что снова Гор уходит от поп понимания о том, каким сингл должен быть.

Дэйв Баскомб: Дэмо запись имела более быстрый ритм, но мы закончили тем, что использовали две базовые мелодии, комбинацию двух мелодий. Но позже альбомная версия была основана на ремиксе, который сделал Дениел. Он был медленней, мне кажется, а сингл был быстрее. В альбомном варианте мы использовали элементы ремикса Дэниела – более медленный вариант.

Джонатан Миллер: Это хитовый сингл в Британи. Но у него была та же траектория что и прежде – быстрый взлёт до середины чарта и снова падение. В то время как альбом, в котором она была, продавался огромным тиражом.

                                   «Music For The Masses» был выпущен в сентябре 1987года и обещал большой успех Депеш Мод за счёт потенциальной успешности песен. Альбом был очень популярен в Европе, окрылённый успехом в Британии. Также предстоял тур в поддержку альбома, что бы закрепить успех.

Джонатан Миллер: Тур «Music For The Masses» В Европе был приблизительно таким же, как и тур «Black Celebration». Заметные перемены произошли в США. Там группа достигла нового уровня.

Энди Маккласки: Депеш, наверно, шли по пути «U2». Они выступали, выступали и ещё раз выступали, повсюду. Прорываться через радио колледжей, маленькие концертные площадки, с помощью сарафанного радио.

Гэри Ньюман: Выступать постоянно вживую, ездить туда сюда, и создать ядро активных фанатов – только так можно достичь всего. Куда бы вы не ехали, люди знают вас, они вас видели, видели, как вы работали и росли.

Энди Маккласки: Они начинали с немногочисленных выступлений, а к концу 80-х они перешли к концертам на стадионах.

                  На удивление публики, Депеш Мод объявили, что они завершают тур «Music For The Masses» концертом на стадионе «Rose bowl» что в Пасадене. Несмотря на увеличение количества фанатов, это всё ещё было рискованно, особенно для электронного представления.

Отрывок из фильма «101»: - Я думаю, у Алана есть специально подготовленная речь.
- Да, есть. Доброе утро. Доброе утро всем нашим фанам, которые слушают и смотрят нас в это утро. Мы хотим объявить, что последний концерт нашего мирового турне для масс мы проведём здесь -  на стадионе «Rose bowl», что в Пасадене, в субботу 18 июня.

Томас Долби: Это было апогеем завоевания Депеш Мод Калифорнии и большой части Северной Америки, с помощью их музыки. И турне «Music For The Masses», фактически расширило горизонты разных радио станций по всей Северной Америке. Я думаю, они заражали каждый новый город, в который попадали, ломая рамки и завоевывая разные города. Так что к тому моменту, когда они доехали до «Rose bowl» в Пасадене, было очевидно, что это самое большое представление, которое они когда-либо давали, и, скорее всего, самое большое электронное представление всех времён. И что это станет большим праздником, как Вудсток для электронной музыки.

                  С «OMD» и Томасом Долби на разогреве заключительный концерт на стадионе «Rose bowl» стал 101 концертом турне, про который был снят фильм «101» под руководством Д.А. Панабейкера.
Несмотря на частую недооценку в собственной стране, Депеш Мод наконец то вырвались на мировую арену.

Гэри Ньюман: Я думаю, всё ещё оставалось странное чувство неудовлетворённости, когда были люди, которые, послушав, по-прежнему говорили: «Ууу. Это отстой. Это не профессиональная музыка». А вы тем временем выступаете перед огромными стадионами. Тогда это ставится несущественным.

Джонатан Миллер: Я думаю, Дениел Миллер был доволен, ведь он был покровителем электронной музыки, которая, наконец-то, вырвалась вперёд рока. Они играют по своим правилам, они, наконец-то, выступают на стадионах, и демонстрируют, что они это могут. Я не думаю, что всё будет по-прежнему.

                          Для Депеш Мод всё никогда не будет по-прежнему. Успех «Music For The Masses» вознёс группу в ранг звёзд первой величины. Но это случилось после 1990 года, когда мир увидел новый альбом Депеш Мод.
«Violator» записывала новая команда. Продюсер Флад сменил Дэйва Баскомба на его посту.

Джонатан Миллер: «Personal Jesus» очень интересный трек, по сравнению с предыдущим альбом. Наверно, не самая подходящая для сингла песня, но проигрыш на гитаре был серьёзной переменой для группы, в которой преобладают синтезаторы. Должно быть, она отражает то, что Мартину Гору нравится в музыке, то, что оказывает на него влияние.

Дэвид Стаббс: Это один из самых сильных текстов. Создаётся впечатление, что они послушали одного из телепроповедников или что-то вроде того. Всё очень не однозначно и достаточно странно. В плане того, кто этот мужик, который называет себя Иисусом. Наверно, в ней также скрыта природа взаимоотношений. Я имею в виду, что помимо всех этих призывов и дерзости, раскрывается, как легко попасть в отношения, где кто-то потенциально очень недоступный, очень властный.

Джонатан Миллер: К этому моменту, группа стала звучать более традиционно, в силу доминирования гитары. Эта песня стала наиболее хитовым синглом за достаточно долгий период. Должно быть перемена стиля, сыграла им на руку в плане продажи записей. Плюс преданные фанаты также покупали эту пластинку. Так что предыдущий успех помог им. Хотя возможно, это было рискованно выпускать песню, звучание которой, так отличалась от предыдущих записей.

Дэйв Баскомб: «Violator» - это фантастический альбом. Да, этот альбом идеально подходит им. Я думаю, он по-прежнему воспринимался очень электронным. Хотя в нём есть гитара и это потрясающе, и это играет большую роль. Но я не думаю, что их стали видеть, как инструментальную группу и это привлекало. Ведь в 80-е были американские инструментальные группы, а это было что-то другое.
У них была сила и энергия инструментальных групп, но более интересное электронное звучание. Думаю, именно в этом суть. Я думаю, это был первый пример того техно-рока, который сейчас многие играют. Это был первый прорыв, мне кажется.

Томас Долби: Мне кажется, шаг вперёд, который Депеш сделали с «Violator», это именно гитарный проигрыш из «Enjoy the silence». «Personal Jesus» вышел раньше, но в нём всё ещё были знакомые звуки, мотивы Глиттера, так что было оправдано применение гитары. Но верхние ноты, интервалы в проигрыше к «Enjoy the silence», были чем-то совершенно другим. И думаю, это перенесло звучание на новый уровень.

Филл Лэг (техник «Violator»): Я думаю, танцевальные элементы были во многих песнях Депеш Мод. Но всё-таки, я вижу влияние Флада. По тому, что я знаю после первых аккордов, следует классический барабанный ритм. И, хоть они – электронная музыка, они приобрели аналоговое звучание. В этом я и вижу основное влияние Флада.

Дэвид Стаббс: «Enjoy the silence» можно назвать типичным примером того, как Депеш стараются изо всех сил. С одной стороны это пример новаторства. А с другой – можно услышать мотивы ранних «Human League», а потом некоторые аккорды «New order». Но, сочетая всё это вместе, они приходят к чему-то очень мелодичному. Появляется ощущение чего-то присущего только Депеш Мод. 

Энди Маккласки: Как по мне, (возможно из-за того, что я проводил с ними время в турне и потом увидел, что они сделали), я считаю, что в «Violator» вложен невероятный труд. И когда вышла «Enjoy the silence», я просто подумал: «Отпад. Это отлично».

                            Выпустив «Personal Jesus» и «Enjoy the silence», вместе с двумя другими синглами «Policy of truth» и «World in my eyes», которые заняли позиции в чартах, «Violator» получил право называться наибольшим успехом Депеш Мод и по сегодняшний день. Альбом не только достиг первой позиции в Британских хит-парадах, но и, к всеобщему удивлению, попал в первую 10-ку в США.

Джонатан Миллер: На заключительный концерт тура «Music For The Masses» на арене «Rose bowl» в Пасадене (101-й концерт), пришло 65 тысяч молодых людей, американцев из Калифорнии. Через три года, когда в Штатах вышел «Violator», случилось невероятное.
Была автограф-сессия в позже прославившемся музыкальном магазине. Кажется, он находится на бульваре Сансет. И в тот день 17 тысяч людей пришло получить автограф на своём альбоме.

Отрывок новостей: «Прошло 10 лет и 22 сингла и теперь Депеш Мод мировая прогрессивная группа играющая техгно-поп. Сегодня группа появится для раздачи автографов в музыкальном магазине, в Западном Лос-Анджелесе. Это привлекло тысячи фанатов, которые ждут встречи со своими музыкальными кумирами. Некоторые заняли очередь ещё вчера ночью…»

Джонатан Миллер: Группа стала новостью сама по себе, как будто началась снова Битломания.
Возникла опасность, что стекло в магазине разобьется, и группе пришлось уехать раньше. И после, когда об этом объявили в новостях, они созвали пресс-конференцию и Алан Уайлдер сказал, что-то вроде: «Лучшей рекламы просто невозможно представить». Хотя это не было запланировано.

Отрывок пресс-конференции:
Алан: -На самом деле не было массовых беспорядков. Давайте всё проясним. Пришло много людей. Это не то что я считаю беспорядками. Не было насилия. К сожалению, несколько людей пострадало. Но в основном все фанаты вели себя пристойно. (Дэйв, шепчет Алану на ухо) Да, точно. «Челси» субботним вечером – вот это беспорядок.

Джонатан Миллер: Что-то определённо происходило в США. Взлёт во время последнего турне не был кратковременным скачком – он продолжался в следующем турне.

                       В турне «World violation tour» Депеш Мод успешно выступали и в Европе и США, где мгновенно до последнего раскупались билеты на стадионные шоу. Музыкальный олимп оказал давление на группу, и они были вынуждены сделать 3 летний перерыв.

Джонатан Миллер: Ребята уже стали постарше. У них были семьи, свои собственные жизни за пределами группы. Так что снова, была затяжная пауза между выходом «Violator» и записью следующего альбома. Которым стал «Songs of fate and devotion».
Думаю, основной переменой в то время стал собственно Дэйв Гаан. Казалось, он разочаровался своей собственной жизнью, развёлся, оставил молодую семью. И затем, буквально выражаясь, сбежал на Голливудские холмы, для того, что бы жить жизнью типичной рок звезды.

                     В таких условиях Гаан увлёкся американской рок музыкой ранних 90-х. Такими группами, как Nirvana, Jane’s Addiction, которые привлекли внимание общественности. По возвращении с записи их 8-го студийного альбома «Songs of fate and devotion» в 1993 году, он определённо решил привнести это влияние в звучание Депеш Мод.

Гарет Джонс: Я уверен, они хотели попробовать, что-то другое. Ведь никогда не получиться превзойти «Violator». Если обернуться назад, мы использовали стиль «Kraftwerk», электро-поп, а потом был «Violator». Было очень целесообразно остановиться и задуматься: «Так что же делать дальше?». Нельзя оставаться прежними, нужно теперь делать что-то другое.

Стив Лион (техник «Songs of fate and devotion»): Мне кажется, эту идею подали Флад и Алан. Если можно так сказать, предложили сделать звук более грязным, более живым, и немного более похожим на звучание традиционных групп. Разумеется, были дэмо Мартина и его стиль, который был намного чище. Песни были просто фантастические. В целом, я думаю, можно менять стиль пока песни это позволяют.

Гарет Джонс: Я знаю, что у них был другой метод работы. Я знаю про особую просьбу Алана, что бы дэмо Мартина для «Songs of fate and devotion» были очень примитивными, что бы можно было применить фантазию.

Снова работая с продюсером Фладом, группа занялась созданием альбома намного более живого характера.

Алан Уайлдер: Я играл басс партию, кажется. Мартин играл на гитаре, был ударник, кто-то другой мог играть на бонго. Что-то такое. И мы импровизировали. Мы никогда таким не занимались раньше. Разве что ради развлечения в другой комнате, что бы отдохнуть от студийной работы. Мы никогда такого не делали. Мы всегда садились за компьютеры и синтезаторы, и программировали ударные… Так что, думаю, у нас не было возможности привыкнуть к такому методу работы.
Должно быть желание получить желаемый результат немедленно стало слабее. Кроме того, многие группы так записывают.

Стив Лион: Главным было то, что мы хотели сделать альбом более живым. К тому же Флад закончил работу над альбомом… Боже, как же его, «Achtung Baby» - «U2». Так что всех вдохновила их недавняя работа с другими людьми. И это хорошо. Получается, что вы немного берёте от сюда, от туда… так много как только возможно. Но потом это проходит через Депеш фильтр, которым были Алан и Флад.

Гарет Джонс: В «Violator» все песни были сделаны с помощью компьютера, кроме вокала, разумеется. Это очень важно, ведь практически всю музыку играли машины. В отличии от этого, «Songs of fate and devotion» как будто целиком сыгран в живую, парнями с гитарами, ударными и басами.
Думаю, они много репетировали в студии во время записи «Songs of fate and devotion». Люди играли аккорды на гитаре, мелодии, ударные, потом это было сэмплировано, добавлено, отточено и изменено в стиле Депеш Мод. Но это был совершенно другой подход.

Стив Лион: Гитарный проигрыш задавал направление песни по тому, что нельзя было написать песню без мелодии на гитаре. Так что выходит это рок песня. Но всё же это то, как Депеш интерпретируют рок песню, это яркий пример.

           Живя и записывая вместе в Мадриде с самого начала было очевидно, что группа страдала от изоляции. Особенно теперь, когда на них оказывалось давление, после предыдущего успешного альбома.

Алан Уайлдер: Как только мы начали работать над ним, было очевидно, что мы в некотором роде мучаемся. И нам было не просто собраться вместе, как команда, после небольшого перерыва и пережить успех «Violator».

Дениел Миллер («Mute Records»): Атмосфера с самого начала записи этого альбома была угнетающей. У группы были песни и они искали направление для работы, но мы никуда не продвигались.

Джонатан Миллер: Они были разделены, они были разрознены. И самым ужасным было то, что они были закрыты в одном здании.

Гарет Джонс: Во время «Violator» было огромное потребление наркотиков и огромное потребление алкоголя. Это не придаёт ясности мышлению и не помогает разрешать конфликты, тоже. В результате таких конфликтов все были вымотаны, и никто уже не мог их решать.

Дэвид Стаббс: Должно быть, это был странный и сложный период. Алан Уайлдер, должно быть, думал что он делает много работы в этом альбоме и не получает должной благодарности. Дэйв Гаан, со своими особыми личными проблемами, а также проблемами с вокалом. Голос садился, и это причиняло беспокойство. И что нёс Мартин Гор в этих песнях все эти годы? Я не могу поверить, что это робота творческого человека, просто наблюдения и воображаемые ситуации. Очевидно, что в них так много личного. Несомненно, это тоже сказывалось.

Джонатан Миллер: «Condemnation» создаёт атмосферу госпела2. И когда Депеш Мод исполняют его, они используют сложную аранжировку. На ней есть мелодия на пианино, медленный ритм, наслаивающийся бэк-вокал в стиле госпел(2).

(2) – (госпел) жанр духовной христианской музыки, развившийся в первой трети XX века в США. Обычно различают негритянский госпел и белый госпел. Общим является то, что и тот и другой родились в среде методистских церквей американского Юга (Википедия).

Стив Лион: Мартин фанат госпела. Собственно мелодия и стихи… я не припомню, как появилась идея, но у нас был пульт, в студии в Испании, упакован в деревянную коробку, а внизу был большой ангар, и всё оборудование было там в таких же коробках. И появилась идея: почему бы не попробовать воссоздать атмосферу госпела. Так что я, 4 участника группы и Дэрил (помощник группы) включили запись, спустились вниз и тарабанили по этим деревянным коробкам. И получился ритм, который был сэмплирован и…
То есть много отличных идей начинаются со слов: «С этого ничего не выйдет. Это не будет хорошо звучать». Так никогда ничего не получиться. А в итоге всё это приобретает стиль Депеш и получается что-то полностью уникальное. Это прекрасно.

Джонатан Миллер: Она позволяет основному вокалу Дэйва Гаана расцвести. По крайней мере, у Депеш Мод есть несколько подобных этой песен, которые позволяют его голосу действительно звучать. И очевидно, что у него в то время был очень тёмный период. Все обстоятельства изменились, его жизнь сильно переменилась по сравнению с тем, какой она была во время прошлой записи. Должно быть, он ощущал, что тексты многих песен, будто обращены к нему.

Стив Лион: Это зависит от личности. Он прожил жизнь и пережил смерть, что позволяет ему петь такие стихи и делать их личными.

Гарет Джонс: Я всегда понимал так, что Мартин пишет не про свой личный опыт или опыт Дэйва. Иногда они совпадают. Думаю, это часть магии группы. Мартин пишет песни, а Дэйв поёт и вы думаете: «Это идеально».
То как Мартин описывал своё сочинение песен мне, это будто какая то сила находит на него, и мысли проносятся в голове, как будто он канал. Он действительно не знает, как ему это удаётся.

Несмотря на множество проблем, «Songs of fate and devotion» поступил в продажу в марте 1993го и стал хитом номер один, заняв лидирующие позиции в Британии и Америке, вопреки широкой критике.

Гэри Ньюман: Гениально. Это гениально. Лучший альбом Депеш Мод, хоть я люблю многие из них, но этот вершина творчества для меня. У меня всё ещё мурашки по коже от него, хотя прошло 16 лет или около того. Я хочу послушать его вживую. Я очень трепетно отношусь именно к живому исполнению, по тому, что они не исполняли весь альбом целиком и это расстраивает. Ууу, вы не исполнили эту вживую. Я обожаю его.
Он вышел в то время, когда у меня был период, когда все творческие силы остались позади. Это было полным отстоем. Я был подавлен и знал, что с творческой точки зрения, на мне можно ставить крест. А потом появился этот альбом, и он мог сломить окончательно. Что можно было подумать: «Всё хватит. Я занимаюсь ерундой. А они такое сделали. И нет никаких шансов вернуть всё». Но со мной этого не случилось. Он, наоборот, открыл мне глаза на многие вещи.

                        В поддержку альбома «Songs of fate and devotion» Депеш Мод отправились в «Devotional» тур. Закончив оборудование сцены, по разработанному дизайну, их старого друга Антона Корбина, группа действительно показывала верх профессионализма.
К 1994 Депеш Мод были признанны одной из наиболее знаменательных и влиятельных групп всех времён. Это случилось благодаря темноте и постоянному совершенствованию в альбомах «Black Celebration», «Music For The Masses», «Violator», «Songs Of Faith And Devotion». Которые в сумме увековечили название Депеш Мод в истории музыки не просто как название группы, а как отдельный стиль музыки.

Стив Лион: Я думаю, есть всего пару групп за последние 25-30 лет, упомянув название которых речь идёт не просто о паре песен, а о большом значительном влиянии.

Гэри Ньюман: Они сделали много для электронной музыки. И для многих людей на протяжении лет это было уроком того, как можно достичь всего. И заставили очень многих людей выглядеть любителями.

         Эти 4 альбома представляют становление звучания и стиля группы. И демонстрируют их непреодолимую тягу к переменам. Хотя их музыка, в конечном счёте, видоизменилась, она популяризирует и раскрывает электрону музыку.
Несмотря на уход Алана Уайлдера, Депеш Мод снова выросли и, в отличии от многих своих современников, продолжают быть очень успешными.

Томас Долби: Депеш Мод всегда не желали соответствовать и выпускать хит за хитом, используя ту же форму. Они всегда менялись самым кардинальным образом, при этом не становясь радикально другой группой, по сравнению с тем с чем они были 10 или 20 лет назад. Их целью было просто немного усовершенствовать звучание и продолжать. Думаю, именно по этому они даже сегодня действуют – по тому, что их музыка прошла через изменения и эволюцию.